BALE TARİHİ

Bale, kökeni 15. ve 16. yüzyıl İtalyan Rönesans krallıklarınca resmileştirilmiş bir dans biçimidir. Bale,  Fransa kraliçesi Catherine de’ Medici desteği ile Fransa üzerine gelmiş ve aristokrat etkisi altında daha da gelişmiştir.

Kraliçe Catherine  için ilk sunum örneği , kızı Marguerite de Valois düğününde gösterilen ‘Le Paradis d’ Amour’ adlı eserdir.

Aristokratik para, öncelikle zamanın aristokratlarını eğlendirmek için yaratılan balelerde kullanılan fikirleri, edebiyatı ve müziği dikte eden kraliyet parası olduğundan, ‘saray balesinin’ gelişiminin ilk aşamalarından sorumluydu. Şimdiye kadar tanınan ilk resmi ‘kraliyet balesi’ 1573’te ‘Ballet des Polonais’ sahnelendi. Gerçek bir kraliyet eğlencesi biçiminde, ‘Ballet des Polonais’ Catherine de ‘Medici tarafından Anjou Henry’nin Polonya tahtına gelmesi üzerine Paris’i ziyaret eden Polonyalı büyükelçileri onurlandırmak için görevlendirildi. 1581’de Catherine de ‘Medici başka bir kraliyet balesinde, “Ballet Comique de la Reine” yaptırmak için Balthasar de Beaujoyeulx’du görevlendirdi. Baleyi düzenleyen. Catherine de ‘Medici ve Balthasar de Beaujoyeulx, birleşik bir dramatik hikayeyi anlatmak için şiir, dans, müzik ve set tasarımını birleştirerek Baif’s Academie’nin ilkelerini uygulayan ilk mahkeme balesini sunmaktan sorumluydu. Dahası, ‘saray balesinin’ erken organizasyonu ve gelişimi, hem kişisel eğlence hem de siyasi propaganda ihtiyaçlarını karşılayan zamanın aristokratları tarafından finanse edilmiş, etkilenmiş ve onlar tarafından üretilmiştir.

17. yüzyılın sonlarında Louis XIV döneminde ilk profesyonel tiyatro bale topluluğu olan Paris Opera Balesi (Académie Royale de Musique’i) kurdu. Balenin sözlüğünde Fransızcanın hakimiyeti bu tarihi yansıtır. Tiyatro balesi, kısa sürede bağımsız bir sanat biçimi haline geldi, ancak yine de opera ile yakın bir ilişki sürdürüyordu ve Avrupa’nın kalbinden diğer uluslara yayıldı. Danimarka Kraliyet Balesi ve İmparatorluk Balesi arasında Rus İmparatorluğu 1740’larda kuruldu ve özellikle 1850’den sonra gelişmeye başladı.

1907’de Rus balesi, Sergei Diaghilev’in Ballets Russes ve haleflerinin özellikle etkili olduğu Fransa’ya geri döndü. İlerleyen zamanlarda bale, Londra’daki The Royal Ballet (1931), San Francisco Ballet (1933), American Ballet Theatre (1937), Royal Winnipeg Ballet (1939), The Australian Ballet (1940 ) New York Şehir Balesi (1948), Kanada Ulusal Balesi (1951) ve Hindistan Ulusal Bale Akademisi ve Güven (2002) gibi yeni şirketlerin kurulmasıyla dünyaya yayıldı. ^[1]

20. yüzyılda bale tarzları gelişmeye devam etti ve daha geniş konser dansını güçlü bir şekilde etkiledi. Örneğin Amerika Birleşik Devletleri’nde koreograf George Balanchine şimdi neoklasik bale olarak bilinen şeyi geliştirdi ve sonraki gelişmeler örneğin çağdaş bale ve post-yapısal bale’yi oluşturdu. Benzer örnekler William Forsythe’nin  Almanya’daki çalışmalarında görüldü.

Etimoloji kelime “bale” nin tarihini yansıtır. Bale kelimesi Fransızcadan gelir ve 17. yüzyılda İngilizce’te geçerek evrensel bir şekle bütünmüştür. Özünde Fransızca olan bu kelime köken olarak İtalyanca dans (balletto) , daha küçük dans (ballo) kelimesine dayanır. ^[2] 

KÖKENLERİ

RÖNESANS : İTALYA VE FRANSA 

Domenico da Piacenza (1400 – 1470) ilk dans ustalarından biriydi. Öğrencileri Antonio Cornazzano ve Guglielmo Ebreo da Pesaro ile birlikte dans eğitimi aldı ve asillere sanatı öğretmekten sorumlu oldu. Da Piacenza, öğrencileri tarafından bir araya getirilen bir eser bıraktı: De arte saltandi et choreus ducendi (Dans ve orkestra şefliği sanatı üzerine). ^[6]

1489 yılında Aragonlu İsabella’nın eşi Galeazzo, İtalyan dans ustası Bergonzio di Botta tarafından kutlamalar için özenli bir dans eğlencesi düzenlendi. Danslar, Jason ve Argonotlarla ilgili ince bir anlatımla bağlantılıydı ve her biri akşam yemeği için farklı bir kursa karşılık geliyordu. Milan’dan Tristano Calco etkinlik hakkında yazdı ve o kadar etkileyici kabul edildi ki başka yerlerde birçok benzer gösteri düzenlendi. ^[7] [8]

Bale ayrıca, soyluların müzik, konuşma, şiir, şarkı, gösteri, dekor ve kostümle birlikte gerçekleştirdiği sosyal danslardan oluşan Fransız ballet de cour tarafından şekillendirildi. ^[9] Catherine de’ Medici zamanında “Bale” her anlamda desteklendi ve gelişim gösterdi. Catherine’in ışıltılı eğlenceleri mahkeme siyasetinin amaçlarını destekledi ve genellikle mitolojik temalar etrafında düzenlendi. ^[10] 

İlk “cour de bale”, Polonya Büyükelçisinin ziyareti vesilesiyle 1573’te yapıldı. Koreografisini Balthasar de Beaujoyeulx yaptı ve her biri bir Fransız eyaletini temsil eden on altı kadın için bir saatlik bir dans sergiledi. Balthasar de Beaujoyeulx tarafından koreografisi ve yönetilen Ballet Comique de la Reine (1581), Henry’nin en sevdiği Duke de Joyeuse’un evliliğini kutlamak için Catherine’in oğlu Kral III.Henry’nin kraliçesi Louise of Lorraine tarafından görevlendirildi. Bale beş saatten fazla sürdü ve yirmi dört dansçı tarafından dans edildi. ^[11][12]

Aynı yıl, Fabritio Caroso ‘ın Il Ballarino yadlı eseri dans teknik kılavuzu, performans ve sosyal hem kurmak için İtalya’yı teknik bale gelişim merkezi olmasını sağladı. ^[13]

17. YÜZYIL – FRANSA SARAY DANSI 

1661’de Louis XIV, soyluları kontrol etme ^[17] konusundaki hırsını ilerletmeye ve 17. yüzyılda başlayan dans standartlarındaki düşüşü tersine çevirmeye  kararlı, Académie Royale de Danse’yi kurdu. ^[14] Bundan önce, aristokratlar binicilik ve askeri eğitimle birlikte dans etmeyi asaletlerini sergilemek için üç ana disiplin olarak görüyorlardı. Bununla birlikte, Louis’in Akademi’yi kurması, dikkatlerini askeri sanatlardan saray sosyal işlevlerine, savaştan baleye çevirdi ve etraflarındaki kuralları daha da sıkılaştırdı. ^[18]

Fransız kültürünün etkisini Avrupa çapında genişletmek için Louis , kralın kişisel dans öğretmeni ve 1650’lerde ballet de cour’in en sevdiği ortağı Pierre Beauchamp’a ^[19] “dansın kağıt üzerinde anlaşılması için bir yol” yaratmasını emretti. ^[20] Beauchamp aynı zamanda Intendant des ballets du roi olarak atandı ve 1680’de dans akademisinin müdürü oldu, 1687’ye kadar bu pozisyonda kaldı. ^[19] Bu emir, bu alanda birçok bale ustası tarafından yoğun bir araştırmaya yol açarak Beauchamp’ın dans notasyon sistemi tanınmasını sağladı. ^[21] Kendi sisteminde, baledeki ayakların beş temel pozisyonunu kodladı. ^[19] Parisli bir bale ustası olan Raoul Auger Feuillet daha sonra sistemini benimsedi ve çalışmaları 1700’de yayınlandı. Notasyon sistemi Avrupa’da önemli ölçüde popüler oldu. ^[22]

Feuillet çabalarını, “La belle danse” veya “Fransız asil stili” olarak da bilinen mahkemede en etkileyici dansa yoğunlaştırdı. Bu tür dans, daha zorlu becerilere sahip balolarda veya kortlarda popülerdi. La belle danse’nin en yüksek formlarından biri olan “Entrée grave”, tipik olarak bir veya iki adam tarafından zarif ve asil hareketlerle, ardından yavaş ve zarif müzikle icra edildi. Şu anda, la belle danse ve entrée grave yapan sadece erkeklerdi. Kadınlar kraliçenin balelerinde ve diğer sosyal etkinliklerde sahne aldı, ancak mezara girişte değil, kralın baleleri, mahkemelerde veya Paris sahnelerinde, 1680’lere kadar değil. Bu özel dönemde, erkekler bir kral dansı olan eril, asil ve asil danslarını sergileyen, sanatın şampiyonu ve ustası olarak kabul edildi. Bu aynı zamanda klasik bale için model oluşturdu. ^[23]

Saray balelerinin Rönesans’tan beri dans ve görgü kurallarını birleştiren uzun bir geçmişi vardı, ancak la belle danse söz konusu olduğunda, baledeki görgü kuralları tamamen yeni bir boyuta ulaştı. Louis mahkemelerindeki her bir görgü kuralı, la belle danse’de çok ayrıntılı bir şekilde ortaya konmuştu ve dansları aracılığıyla diğerlerinin asil statüsünü kesinlikle görebiliyordu.^[24] Beauchamp tarafından kodlanan ve ardından Feuillet tarafından kodlanan cesetlerin beş pozisyonu, bedeni minyatür bir mahkeme gibi tanımladı, başı merkezi nokta olarak, kralın devletini yönetmesi gibi uzuvlarını koordine ediyordu. Gerçek bir soylu yapan bir dansçı, bir köylü veya daha düşük rütbeli karakterleri canlandırmaktan farklı beş pozisyonda oynayacaktır. ^[25]Maskeler, makyajlar, kostümler, özellikle de la belle danse ayakkabı kullanımıyla da asaletin kanıtı gösterildi.  ^[26]

1652’de XIV.Louis mahkemesine katılan İtalyan kemancı, dansçı, koreograf ve besteci Jean-Baptiste Lully ^[27], balenin gelecek yüzyılda izleyeceği genel yönü belirlemede önemli bir rol oynadı. Kral XIV.Louis tarafından desteklenen ve hayranlık uyandıran Lully, kralı balelerine sık sık rol vermekteydi. Fransız hükümdarı için Sun King unvanı, Louis XIV’in Lully’s Ballet de la Nuit (1653) filmindeki rolünden kaynaklanmıştır. On dört yaşındaki Louis XIV, bu 12 saatlik balede beş rol oynadı. ^[28] Bu Bale cömertti ve cadılar, kurt adamlar, çingeneler, çobanlar, hırsızlar ve tanrıçalar Venüs ve Diana’nın dahil olduğu bir evin belirli bir parçasının yakıldığı bir sahneye sahipti. ^[29] Balenin ana teması karanlık ve gece korkuları olmamakla beraber odak noktası, sonunda Güneş olarak ortaya çıkan ve geceyi sona erdiren Louis’ti. ^[30] Lully’nin baleye ana katkısı incelikli besteleriydi. Hareket ve dans anlayışı, fiziksel hareketleri tamamlayan müziksel ifadelerle özellikle bale için beste yapmasına izin verdi. ^[29] Lully, Fransız oyun yazarı Molière ile de işbirliği yaptı. Birlikte, bir İtalyan tiyatro tarzı olan commedia dell’arte’yi aldılar ve bunu bir Fransız seyirci için çalışmalarına uyarlayarak komedi-balesini yarattılar. Koreograf olarak Beauchamp ile büyük yapımları arasında, ^[19]  Le Bourgeois Gentilhomme (1670) bulunmaktadır. ^[31]

1669’da Louis XIV , Pierre Perrin’in yönetmenliğinde Académie d’Opéra’yı kurdu. ^[32] Louis XIV, 1670 yılında, büyük ölçüde aşırı kilo alımı nedeniyle emekli oldu. Daha önce, 1661’de Adacemie Royale de danse adında bir okul kurmuştu. Beauchamp, Opéra’nın ilk bale ustasıydı ve yeni şirketin ilk prodüksiyonu Pomone için Robert Cambert’in müzikleriyle dansları yarattı. ^[19] Daha sonra, Perrin iflas ettikten sonra, kral Opéra’yı Académie royale de Musique olarak yeniden kurdu ve Lully’yi yönetmen yaptı. ^[32] Beauchamp ana koreograflardan biriydi. ^[19] Bu pozisyonda Lully, librettistiylePhilippe Quinault, her biri minyatür bir bale sahnesi olan bir saptırma içeren trajedi en musique adlı yeni bir tür yarattı. ^[27] Jean-Baptiste Lully neredeyse tüm önemli kreasyonlarıyla müzik ve dramayı İtalyan ve Fransız dans unsurlarıyla bir araya getirdi. Çalışmaları, balenin geleceğini tanımlayacak bir miras yarattı.

AVRUPA ÇAPINDA POPÜLERLİK  

Fransa’nın mahkemesi, Avrupa’daki diğer birçok kraliyet mahkemesi için bir şekilde moda kültürünün önde gelen kaynağıydı. Kraliyet baleleri de dahil olmak üzere eğlence tarzları taklit edildi. İspanya, Portekiz, Polonya, Almanya ve diğer yerlerdeki mahkemelerin tümü balelere seyirci ve katılımcı oldu. Fransa’ya ek olarak, İtalya, ağırlıklı olarak Venedik olmak üzere, sanat formu üzerinde önemli bir etki haline geldi.

Profesyonel bale grupları aristokrat izleyiciler için gösteri yaparak Avrupa’yı organize etmeye ve gezmeye başladı. Polonya’da Kral Władysław IV Vasa (1633–1648), bazı sahnelerde bale sanatçılarını içeren İtalyan opera yapımlarına ev sahipliği yaptı. Polonya mahkemesinde çalışan ünlü Avrupalı ​​bale ustaları arasında Jean Favier, Antoine Pitrot, Antonio Sacco ve Francesco Caselli bulunmaktadır . ^[33]

18. YÜZYIL

FRANSA VE BİR SANAT FORMU OLARAK İLERLEME  

18. yüzyıl, balenin teknik standartlarında bir ilerleme ve balenin operayla aynı düzeyde ciddi bir dramatik sanat formu haline geldiği dönemdi. Bu ilerlemenin merkezinde , dansçıların hareketlerinin karakteri ifade etmek ve yardımcı olmak için tasarlandığı bale eylemini geliştirmeye odaklanan Jean-Georges Noverre, Lettres sur la danse et les ballets (1760) ‘ nin ufuk açıcı çalışması vardı. hikaye. Noverre şuna inanıyordu: balenin teknik olması, aynı zamanda seyirciyi duygusal olarak hareket ettirmesi, olay örgüsünün birleştirilmesi, sahne ve müziğin olay örgüsünü desteklemesi ve hikaye içinde bütünleşmesi ve pandomimin basit ve anlaşılır olması gerekiyor. ^[34]

Bale kompozisyonunda reformlar Christoph Willibald Gluck gibi besteciler tarafından yapıldı . Son olarak, bale üç resmi teknik sérieux , demi-caractère ve comique olarak ikiye ayrıldı . Bale ayrıca operalarda saptırma adı verilen ara geçişler olarak gösterilmeye başlandı.

FRANSA DIŞINDA  

Venedik, özellikle Venedik Karnavalı sırasında, kıtadaki dansçıların ve ziyaretçilerin canlı bir kültürel alışveriş için şehre seyahat ettikleri zaman , Avrupa’da bir dans merkezi olmaya devam etti . Şehrin Teatro San Benedetto’su, büyük ölçüde orada yapılan baleler nedeniyle ünlü bir dönüm noktası haline geldi. İtalyan bale teknikleri, 20. yüzyılın başlarında Rus teknikleri onların yerini alana kadar güney ve doğu Avrupa’nın çoğunda baskın etki olarak kaldı.

Bale gösterileri 18. yüzyılda Doğu Avrupa’ya, aristokrat kalelerdeki özel tiyatrolarda sergilendikleri Macaristan gibi bölgelere yayıldı. Macaristan’da gösteri yapan ve yurtdışında gezen profesyonel şirketler kuruldu. Budapeşte Ulusal Tiyatrosu, dansçılar için giderek daha fazla bir yuva görevi görüyor. ^[35]

Avrupa çapında performans sergileyen dönemin önde gelen dansçılarından bazıları Louis Dupré, Anna Binetti ile Charles Le Picque , Gaetano Vestris ve Jean-Georges Noverre idi . ^[33]

19. YÜZYIL

Balerin kademeli olarak erkek dansçı uzak spot dönüm, 19. yüzyılın ilk yarısında Avrupa’da en popüler dans sanatçısı oldu. Birçok performansta bale kahramanları, pandomimdeki Müdür Çocuk gibi bir kadın tarafından oynandı. ^[36]

Bale topluluklarının profesyonelliği, yeni nesil bale ustaları ve dansçılarının odak noktası haline geldi. Viyana, etkili bale antrenörlerinin önemli bir kaynağıydı. Macaristan Ulusal Tiyatrosu’nda ve Kraliyet Operası’nın ilk bale ustasıydı Viyana doğumlu Frigyes Campilli çalıştı, Budapeşte 40 yıldır. ^[37]

19. yüzyıl, daha önceki dönemlere hâkim olan aristokratik duyarlılıklardan romantik bale yoluyla uzaklaşarak baleye yansıyan büyük bir toplumsal değişim dönemiydi . Gibi Balerinler Geneviève Gosselin, Marie Taglioni ve Fanny Elssler gibi yeni teknikler denemiştir pointework İdeal sahne figürü olarak balerin önem vermiştir. Taglioni, görüntüsü hafif ve saf olduğu için “Hıristiyan Dansçı” olarak biliniyordu (La Sylphide’deki sylph rolüyle bağlantılıydı). Öncelikle babası Filipo Taglioni tarafından eğitildi. 1834’te, Fanny Elssler Paris Operası’na geldi ve ateşli nitelikleri nedeniyle “Pagan Dansçısı” olarak tanındı. Onu ünlü yapan Cachucha dansıydı. Profesyonel librettistler, hikayeleri balelerde işlemeye başladı. Carlo Blasis gibi öğretmenler bale tekniğini bugün hala kullanılan temel formda kodladılar . Bale kutulu burunlu ayakkabı, pointe çalışmasını desteklemek için icat edildi.

ROMATİK HAREKET   

Romantik hareket sanat, literatürde, tiyatro resmi kısıtlamaları ve endüstrileşme mekanik karşı bir tepki olmuştur. [22] Zeitgeist “ormanda hamadryad tahrik”, açık, havadar göründü romantik bale oluşturmak ve bu Poe’nun deyişle, vardı günlük hayatın çeşitli yönleriyle indirgemeci bilimin yayılmasına bir kontrast olarak hareket edeceğini serbest koreograf açtı. Bu “gerçek dışı” baleler, kadınları kırılgan doğaüstü varlıklar, zahmetsizce kaldırılabilen ve neredeyse havada süzülüyormuş gibi görünen ruhani yaratıklar olarak tasvir ediyordu. Balerinler, parıltıları ortaya çıkaran pastel, dalgalı eteklerle kostümler giymeye başladı. Hikayeler tekinsiz, folklorik ruhlar etrafında dönüyordu. Böyle romantik bir baleye bir örnek La Sylphide’dir, bugün hala sahnelenen en eski romantik balelerden biri.

Romantik hareketin bir türü, folklor ve geleneksel etnik kültürün yeni bir keşfiydi. Bu etki, Avrupa halk danslarının ortaya çıkışında ve Avrupa sahnelerinde Afrika, Asya ve Orta Doğu halklarının batı tasvirlerinde görüldü. Bu döneme ait balelerde, Avrupalı ​​olmayan karakterler genellikle kötü adamlar olarak veya dünyanın oryantalist batı anlayışına uyacak aptalca sapmalar olarak yaratıldı.^[38] Ukrayna Ulusal Operası, ikamet opera şirketi ile sahne sanatları tiyatro, kuruldu KievAyrıca opera prodüksiyonları sırasında ağırlıklı olarak halk tarzı danslar sergileyen küçük bir bale dansçıları topluluğunu da içeriyordu. 1893’e gelindiğinde, bu, büyük baleleri sahneleyecek kadar büyük bir topluluk haline geldi. Halk oyunları ve Ukrayna hikayeli baleler ilk yapımlar arasındaydı. ^[39]

Kiev Balesi, Macar Ulusal Balesi, Ulusal Tiyatro Balesi (Prag) ve Viyana Devlet Balesi de dahil olmak üzere, 19. yüzyılın ortalarından sonlarına kadar Avrupa’nın başkentlerinde bugün ayakta kalan birçok önde gelen Avrupalı ​​profesyonel bale topluluğu yeni tiyatrolarda kuruldu. (eski Viyana Devlet Opera Balesi). Bu tiyatrolar genellikle büyük opera, tiyatro ve bale topluluklarını aynı çatı altında birleştirdiler. Besteciler, oyun yazarları ve koreograflar daha sonra bu performans grupları arasında işbirliği yapma becerisinden yararlanan işler yaratabildiler.

RUSYA  

Fransa erken balede etkili olurken, diğer ülkeler ve kültürler kısa sürede sanat biçimini, özellikle de Rusya’yı benimsedi. Rusya’nın tanınmış bir bale geleneği vardır ve Rus balesi ülkesinde tarih boyunca büyük önem kazanmıştır. 1850’den sonra Paris’te bale azalmaya başladı, ancak Danimarka ve Rusya’da August Bournonville, Jules Perrot, Arthur Saint-Léon, Enrico Cecchetti ve Marius Petipa gibi ustalar sayesinde gelişti. On dokuzuncu yüzyılın sonlarında oryantalizmmoda oldu. Sömürgecilik, Asya ve Afrika kültürleri hakkında farkındalık getirdi, ancak dezenformasyon ve fanteziyle çarpıtıldı. Doğu, cömert, egzotik ve yozlaşmış olması koşuluyla, her şeyin mümkün olduğu çok uzak bir yer olarak algılanıyordu. Petipa, Firavunun Kızı (1862) ve daha sonra The Talisman (1889) ve La Bayadère (1877) ile popüler beğeniye hitap etti. Petipa, en iyi Çaykovski ile yaptığı işbirlikleriyle hatırlanır. Müziğini The Nutcracker koreografisi (1892, ancak bu tarihçiler arasında bazı tartışmalara açık olsa da), The Sleeping Beauty (1890) ve Kuğu Gölü’nün (1895, Lev Ivanov ile birlikte yeniden canlanması). Bu çalışmaların tamamı Avrupa folklorundan alınmıştır.

Kadın dansçıların günümüzde tanınan klasik tütüleri bu dönemde ortaya çıkmaya başladı. Akrobatik bacakları ortaya çıkaran kabarık etek veya tül katmanlarıyla desteklenen kısa, sert bir etek ve alçakgönüllülüğü korumaya yarayan geniş bir köşebentten oluşuyordu.

ARJANTİN

Avrupa’dan bale toplulukları, 19. yüzyılın ortalarında Kuzey, Orta ve Güney Amerika’da kazançlı tiyatro turlarına başladı. Arjantin, Buenos Aires’teki prestijli Colon Tiyatrosu, 1867 gibi erken bir tarihte Avrupa’dan turne şirketleri ile birlikte yabancı bale sanatçılarına ev sahipliği yapmıştı.^[40] 1880’lerde, Colon Tiyatrosu’nun kendi profesyonel bale topluluğu vardı. Bununla birlikte, Avrupa dışındaki çoğu ülkenin kendi profesyonel bale topluluklarını talep etmesi birkaç on yıl alacaktı.

20. YÜZYIL VE ÇAĞDAŞ BALE

RUSYA VE BALLET RUSSES  

Sergei Diaghilev, şirketi Ballets Russes’ı açtığında, baleyi Paris’e geri getirdi. Devrimden sonra Paris’teki Rus sürgün cemaatinden dansçılardan oluşuyordu.

Diaghilev ve besteci Igor Stravinsky, Fokine’in koreografisini yaptığı The Firebird ve Petrushka’da Rus folklorunu hayata geçirmek için yeteneklerini birleştirdiler. Diaghilev’in sonraki koreografi komisyonları Nijinsky’ye gitti. İlk balesi Debussy’nin müziğine verdiği L’apres-midi d’un Faune (Faun’un Öğleden Sonra) adlı şarkısıydı. İki boyutlu şekli ve bale tekniğinin eksikliği ile dikkat çekiyordu. Simüle edilmiş mastürbasyonda, faun kızlardan birinin başörtüsünü kendisine sürdüğünü tasvir ederek tartışmaya neden oldu. Ballets Russes’ın en tartışmalı eseri ise The Rite of SpringStravinsky’nin müzikleriyle Nijinsky tarafından koreografisini yaptı. Balenin modern müziği, güvercin parmaklı ezilme ve insan kurban etme teması izleyicileri o kadar şok etti ki isyan çıkardılar.

Petipa’nın “altın çağından” sonra, Michel Fokine kariyerine St. Petersburg’da başladı ancak Paris’e taşındı ve Diaghilev ve Ballets Russes ile çalıştı.

Rus balesi, Sovyet yönetimi altında gelişmeye devam etti. Devrimden sonra ülkede çok az yetenek kalmıştı ama yeni bir neslin tohumlanması için yeterliydi. 1920’lerdeki durgunluğun ardından, 1930’ların ortalarında sahneye yeni nesil dansçılar ve koreograflar çıktı. Dansın teknik mükemmelliği ve hassasiyeti, Petipa ve Cecchetti tarafından öğretilen ve St Petersburg / Leningrad’daki Kirov Balesi için dansçıları hazırlamak için okul olan Vaganova Bale Akademisi’nin başında bulunan Agrippina Vaganova tarafından teşvik edildi (ve talep edildi) .

Bale halk arasında popülerdi. Hem Moskova merkezli Bolşoy hem de St.Petersburg (o zamanlar Leningrad) merkezli Kirov bale kumpanyaları faaliyet gösteriyordu. İdeolojik baskı, çoğu halk üzerinde çok az etki bırakan ve daha sonra her iki şirketin repertuarından kaldırılan birçok sosyalist gerçekçi parçanın yaratılmasına zorladı.

Ancak o dönemin bazı parçaları dikkat çekiciydi. Romeo ve Juliet tarafından  Prokofiev  ve Lavrovsky bir başyapıt. Paris Alevler sosyalist gerçekçi sanatın tüm arızaları gösterirken, performans bale topluluğuyla aktif kullanımına öncülük ve çarpıcı virtüözlüğünü gerektiriyordu. Bale versiyonu arasında Puşkin şiiri, Bahçesaray’da Çeşmesi gelen müzik ile Boris Asafiev tarafından ve koreografi Rostislav Zakharov da bir hit oldu.

Prokofiev’in müziğini sağladığı tanınmış bale Külkedisi, aynı zamanda Sovyet balesinin bir ürünüdür. Sovyet döneminde, bu parçalar çoğunlukla Sovyetler Birliği dışında ve daha sonra Doğu Bloku dışında bilinmiyordu. Ancak, Sovyetler Birliği’nin dağılmasından sonra daha fazla tanındı.

Örneğin, New York’taki Kirov Balesi’nin Bakhchisarai Çeşmesi’nin 1999 Kuzey Amerika prömiyeri olağanüstü bir başarıydı. Rus Balesinin Sovyet dönemi tekniğe, virtüözlüğe ve güce çok önem verdi. Genellikle çağdaş Batılı dansçıların normlarının üzerinde bir güç talep ediyordu. Restore edilmiş eski görüntüleri izlerken, Galina Ulanova , Natalya Dudinskaya ve Maya Plisetskaya gibi ilk balerinlerinin ve Pyotr Gusev gibi koreografların yeteneklerine hayran kalabilirsiniz.

Rus şirketleri, özellikle II.Dünya Savaşı’ndan sonra, Batı’da baleyi yeniden canlandıran dünyanın dört bir yanında birçok tur düzenledi.

Afrasiyab Bedelbeyli’nin yazdığı Kız Kulesi ^[41] Müslüman Doğu’nun ilk balesidir . ^{[42] [43] [41]}

AMERİKA BİRLEŞİK DEVLETLERİ 

Ballets Russes’un Fransa’ya taşınmasının ardından balenin özellikle Amerika Birleşik Devletleri’nde daha geniş bir etkisi olmaya başladı.

Fokine, Diaghilev’le anlaşmazlıklar yaşadıktan sonra Paris’ten önce İsveç’e ve ardından ABD’ye giderek New York’a yerleşti. Diaghilev, geleneksel balenin güzellik ve atletik gösteriden biraz daha fazlasını sunduğuna inanıyordu. Fokine için bu yeterli değildi. Teknik virtüözlüğe ek olarak drama, ifade ve tarihsel özgünlük talep etti. Koreograf, ortamın dönemini ve kültürel bağlamını araştırmalı ve doğru dönem kostümlemesi lehine geleneksel tutuyu reddetmelidir.

Fokine koreografisi Sheherazade ve Cleopatra idi. Ayrıca Petrouchka ve The Firebird’ü de elden geçirdi. En ünlü eserlerinden biri Anna Pavlova tarafından gerçekleştirilen The Dying Swan’dı. Pavlova, bir balerin olarak yeteneklerinin ötesinde, Fokine’in drama olarak bale vizyonunu gerçekleştirecek teatral yeteneklere de sahipti. Efsaneye göre Pavlova, kuğu rolüyle o kadar özdeşleşti ki, kuğu kostümünü ölüm döşeğinden istedi.

George Balanchine, New York’ta bir okul açarak Amerika’da son teknoloji ürünü bir teknik geliştirdi. Baleyi yeni medyaya, filmlere ve televizyona uyarladı. ^[44] Üretken bir işçi olan Balanchine, Swan Lake ve Sleeping Beauty gibi klasikleri yeniden tasarladı ve yeni baleler yarattı. Romeo ve Juliet ve A Midsummer Night’s Dream gibi William Shakespeare’in dramalarının ve ayrıca Franz Léhar’ın The Merry Widow’un orijinal yorumlarını üretti.

1967’de Balanchine’s Jewels anlatı geleneğinden koptu ve bir olay örgüsünden çok bir temayı dramatize etti. Bu odaklanma, sosyalizmle, özellikle de Sovyet komünizmiyle çok yakından bağlantılı olduğu düşünülen anlatı güdümlü dansın aksine, “özgürlüğü ve özgür düşünmeyi” teşvik etmeye çalışan Birleşik Devletler’deki devlet destekli finansman kaynaklarına uyuyor . ^[45] Bugün, kısmen Balanchine sayesinde, bale dünyadaki en iyi korunmuş danslardan biridir. ^{[ alıntı gerekli ]}

Barbara Karinska, kostüm tasarımı sanatını ikincil bir rolden bir bale gösterisinin ayrılmaz bir parçası haline getirmek için Balanchine ile işbirliği yapan bir Rus göçmen ve yetenekli bir terziydi. Dansçıya daha fazla hareket özgürlüğü sağlayan önyargılı kesim ve basitleştirilmiş bir klasik tutu tanıttı. Detaylara gösterilen titizlikle tütünü boncuk işi, nakış, tığ işi ve aplike ile süsledi.

NEOKLASİK BALE

 

George Balanchine, klasik bale ile günümüzün çağdaş bale arasında bir dans tarzı olan neoklasik bale olarak bilinen şeyin ilk öncüsü olarak kabul edilir. Tim Scholl, yazarı Balanchine için Petipa itibaren, Balanchine’in gördüğü  Apollo (1928) ilk neoklasik bale olmak. Bu, Serge Diaghilev’in soyut balelerine yanıt olarak bir forma dönüşü temsil ediyordu . Apollo ve diğer eserler, ağırlıklı olarak New York City Ballet tarafından bugün hala icra edilmektedir. Bununla birlikte, diğer şirketler George Balanchine’in çalışmalarının performans hakları için bir ücret ödeyebilirler.

Frederick Ashton, neoklasik üslupla ilişkili bir başka önemli koreograftır. Eserlerinden üçü uluslararası repertuvarda standart parçalar haline geldi: Sylvia (1952), Romeo ve Juliet (1956) ve Sonuncusu Margot Fonteyn’i sergilemek için bir araç olarak yaratılan Ondine (1958) .

ÇAĞDAŞ

 

Balanchine ile eğitim alan ve bu neo-klasik tarzın çoğunu benimseyen bir dansçı Mikhail Baryshnikov’du. Baryshnikov’un 1980’de Amerikan Bale Tiyatrosu’na sanat yönetmeni olarak atanmasının ardından, başta Twyla Tharp olmak üzere çeşitli modern koreograflarla çalıştı . Tharp koreografisi ABT ve Baryshnikov için 1976’da Push Comes To Shove; 1986’da kendi şirketi için In The Upper Room’u yarattı. Bu parçaların her ikisi de, çağdaş baleyi kullanmaları için, pointe ayakkabıların ve klasik eğitimli dansçıların kullanımıyla birleştirilen belirgin şekilde modern hareketleri kullanmaları nedeniyle yenilikçi olarak kabul edildi.

Tharp , 1957’de Robert Joffrey tarafından kurulan Joffrey Ballet şirketinde de çalıştı . Deuce Coupe’nin koreografisini 1973’te pop müzik ve modern ve bale tekniklerinin bir karışımını kullanarak yaptı. Joffrey Ballet, çoğu kurucu ortak Gerald Arpino’nun koreografisini yaptığı çok sayıda çağdaş eser sergilemeye devam etti.

Bugün pek çok çağdaş bale topluluğu ve koreograf var. Bunlar arasında Madrid Balesi ; Flanders Kraliyet Balesi; Alonzo King ve şirketi Alonzo King LINES Ballet; Nacho Duato ve Compañia Nacional de Danza; Frankfurt Balesi ile yoğun bir şekilde çalışan ve bugün The Forsythe Company’yi yöneten William Forsythe; ve eski Nederlands Dans Tiyatrosu’nun sanat yönetmeni Jiří Kylián . Kirov Balesi ve Paris Opera Balesi gibi geleneksel olarak “klasik” şirketler de düzenli olarak çağdaş eserler sergiliyor.

BALE YÖNETİMİNİN GELİŞTİRİLMESİ

Birkaç iyi bilinen bale yöntemi, yaratıcılarının adını taşır. Örneğin, Rusya’dan iki hakim sistem Agrippina Vaganova’dan sonra Vaganova yöntemi ve Nikolai Legat’tan sonra Legat Yöntemi olarak bilinir. Cecchetti yöntemi İtalyan dansçı tarafından icat edilmiştir Enrico Cecchetti tarafından icat edilmiştir (1850-1928) ve Bournonvılle yöntemiyle, Ağustos Bournonville (1805-1879), Danimarka Bournonville kendi ülkesinde çalışan esas olduğunu. 

KAYNAKÇA  Ulusal Bale Akademisi & Hindistan’ın Güven içinde Yeni Delhi, Hindistan . Erişim tarihi: Mart 29, 2010.  Chantrell (2002), s. 42.  Kirstein (1952), s. 4.  Thoinot Arbeau, _Orchesography_, çev. Mary Steware Evans, Julia Sutton’ın notlarıyla (New York: Dover, 1967)  “BALLET 101: Robert Greskovic’ten Bale Öğrenme ve Sevmek İçin Tam Bir Kılavuz” .  Lee (2002), s. 29.  «Catherine de ‘Medici (1519-1589)» , Eylül 1990 tarihli makale, Michael Minn web sitesinde “Andros on Ballet” sayfasında yayınlandı.  Vuillier, Gaston (1898). İlk Çağlardan Kendi Zamanımıza Dans Tarihi , s. 65-69. New York: D. Anderson ve Şirketi. [Faks yeniden basımı (2004): Whitefish, Montana: Kessinger Publishing. ISBN 978-0-7661-8166-3 .]   Mülayim (1976), s. 43.  Frances A. Yates, _Altıncı Yüzyılın Fransız Akademileri, 2. baskı. (Londra: Routledge, 1988)  Anderson (1992), s. 32.  Cooper Elizabeth (2004). “Le Balet Comique de la Reine, 1581: Bir Analiz” . Washington Üniversitesi web sitesi.  Lee (2002), s. 54. Bland (1976), s. 49.  “Dansın Sosyal ve Politik Önemi” . www.blakeneymanor.com . Erişim tarihi: June 4, 2020 .  Homans, Jennifer. (2010). Apollo’nun melekleri: bir bale tarihi (1. baskı). New York: Random House. s. 52. ISBN 978-1-4000-6060-3. OCLC  515405940 .  Homans, Jennifer. (2010). Apollo’nun melekleri: bir bale tarihi (1. baskı). New York: Random House. sayfa 52, 56–58. ISBN 978-1-4000-6060-3. OCLC  515405940 .  Homans, Jennifer. (2010). Apollo’nun melekleri: bir bale tarihi (1. baskı). New York: Random House. s. 57–59. ISBN 978-1-4000-6060-3. OCLC  515405940 .  Costonis, Maureen Needham (1992). “Beauchamps [Beauchamp] Pierre” Sadie (1992)1: 364.  Homans, Jennifer. (2010). Apollo’nun melekleri: bir bale tarihi (1. baskı). New York: Random House. s. 64. ISBN 978-1-4000-6060-3. OCLC  515405940 .  Homans, Jennifer. (2010). Apollo’nun melekleri: bir bale tarihi (1. baskı). New York: Random House. s. 65. ISBN 978-1-4000-6060-3. OCLC  515405940 .  Homans, Jennifer. (2010). Apollo’nun melekleri: bir bale tarihi (1. baskı). New York: Random House. s. 65–66. ISBN 978-1-4000-6060-3. OCLC  515405940 .  Homans, Jennifer. (2010). Apollo’nun melekleri: bir bale tarihi (1. baskı). New York: Random House. sayfa 66–67. ISBN 978-1-4000-6060-3. OCLC  515405940 .  Homans, Jennifer. (2010). Apollo’nun melekleri: bir bale tarihi (1. baskı). New York: Random House. sayfa 67–68. ISBN 978-1-4000-6060-3. OCLC  515405940 .  Homans, Jennifer. (2010). Apollo’nun melekleri: bir bale tarihi (1. baskı). New York: Random House. s. 71–72. ISBN 978-1-4000-6060-3. OCLC  515405940 .  Homans, Jennifer. (2010). Apollo’nun melekleri: bir bale tarihi (1. baskı). New York: Random House. sayfa 79–85. ISBN 978-1-4000-6060-3. OCLC  515405940 . Rosow, Lois (1992). Sadie (1992)3: 82–89’da”Lully”. Lee (2002), s. 72–73. Lee (2002)., s. 73. Homans, Jennifer. (2010). Apollo’nun melekleri: bir bale tarihi (1. baskı). New York: Random House. s. 53. ISBN 978-1-4000-6060-3. OCLC  515405940 . Lee (2002), s. 74. Anderson (1992), s. 42. Pitt, Charles (1992). Sadie (1992)3: 856’da”Paris”. “Polonya Ulusal Balesi Tarihi”. Polonya Ulusal Tiyatrosu. Erişim tarihi: March 15, 2012. Kassing, Gayle. Dans tarihi: interaktif bir sanat yaklaşımı. Champaign, IL: Human Kinetics, 2007. Baskı. Macar Ulusal Balesi” . Macaristan Devlet Opera Binası . Erişim tarihi: Mart 14, 2012 .[ kalıcı ölü bağlantı ] “MAD. DESARGUS-LEMAIRE ET MDELLE. AMÉLIE GALSTER / dans / le pas de deux polonais” . Victoria ve Albert Müzesi . Erişim tarihi: March 15, 2012 . Buranbaeva, Oksana; Vanja Mladineo (2011). Macaristan Kültürü ve Gelenekleri . ABC-CLIO. s. 172. ISBN 978-0-313-38370-0. Macaulay, Alastair (5 Eylül 2012). “Tırabzanlarda Stereotipler” . New York Times . New York, Amerika Birleşik Devletleri . Erişim tarihi: Eylül 5, 2012 . Bleiberg, Laura (9 Aralık 2005). “Kiev Balesi klasiklere ayrılıyor” . Orange County Kaydı . Erişim tarihi: Mart 10, 2012 . Foster, David William; Melissa Fitch Lockhart; Darrell B. Lockhart (1998). Arjantin Kültürü ve Gelenekleri . Greenwood Publishing Group. s.  133 . ISBN 978-0-313-30319-7. Музыкальная энциклопедия. Гл. ред. Ю. В. Келдыш. Т 1. А – Гонг. 1072 стб. с илл. М .: Советская энциклопедия, 1973 Вместо того, чтобы отталкивать нас, россиянам надо менять свои взгляды и отношение к народам бывших союзных республик »: Чингиз Абдуллаев Arşivlenen at May 31, 2014,Wayback Machine … Первый балет на мусульманском востоке появился у нас. Большая Советская Энциклопедия. Гл. ред. А. М. Прохоров, 3-е изд. Т. 1. А – Ангоб. 1969. 608 стр., Илл .; 47 л. илл. ve карт, 1 отд. л. табл. “Arşivlenmiş kopya” . 13 Kasım 2007 tarihinde orjinalindenarşivlendi . Erişim tarihi: Şubat 9, 2008 . George Balanchine  Kiley, Brendan (7 Şubat 2012). “Eski Yeni Yeni: Pasifik Kuzeybatı Balesi’nde Soğuk Savaş ve Don Kişot” . Yabancı . Seattle, Amerika Birleşik Devletleri . Erişim tarihi: Şubat 10, 2012 .