SANAT SOSYOLOJİSİ

Sanat sosyolojisi, sosyal bilimler çalışmalarında sanatsal metodolojik yaklaşıma dayalı sosyolojik bir disiplindir. Amacı, sanatı insan toplumunun bir ürünü olarak incelemek, sanatsal çalışmanın doğuşunda ve yayılmasında hemfikir olan çeşitli sosyal bileşenleri analiz etmektir. Sanat sosyolojisi, analizini kültür, siyaset, ekonomi, antropoloji, dilbilim, felsefe gibi çeşitli disiplinlere çeviren çok disiplinli bir bilim olarak toplumun geleceğini etkileyen diğer sosyal bilimlerle ilişkilidir. Sanat sosyolojisinin çeşitli çalışma nesneleri arasında, sanatçının sosyal durumu veya halkın sosyokültürel yapısı gibi daha genel yönlerden sanatsal yaratıma sosyal bir bakış açısıyla müdahale eden çeşitli faktörler vardır. Sanatın himayesi, ticarileştirilmesi ve pazarlanmasının yanı sıra sanat galerileri, sanat eleştirmeni, koleksiyonculuk, müzecilik, sanat kurumları ve vakıflar gibi 1 20. yüzyılda da kayda değer Medyanın yayılmasında ilerleme, kitle kültürü, modanın sınıflandırılması, yeni teknolojilerin dahil edilmesi veya sanat eserinin maddi yaratımında kavramların açılması gibi yeni faktörlerin ortaya çıkışı (kavramsal sanat, eylem sanatı) sanat sosyolojisiyle alakalıdır.

Eugène Delacroix tarafından , Halkın Önünde Özgürlük .

Sanat sosyolojisi ilk yaklaşımlarını, on dokuzuncu yüzyılın ortalarından itibaren, özellikle kültür bilimsel analiz yöntemi olarak pozitivizmin ortaya çıkmasından sonra, Autonomous Science, Auguste Comte gibi çeşitli tarihçilerin sanatın sosyal çevresinin analizine olan ilgisine ve sosyolojinin yaratılışına borçludur.  Bununla birlikte, sanat sosyolojisi, 20. yüzyılda kendi metodolojisi ve belirli çalışma nesneleri ile belirli bir disiplin olarak gelişti. Esas olarak, bu disiplinin başlangıç ​​noktası, bu disiplin eğiliminin gelişiminde çeşitli belirleyici çalışmaların ortaya çıkmasıyla, genellikle İkinci Dünya Savaşı’nın hemen sonrasında yer almaktadır. Francis Klingender (1947) tarafından Sanat ve Sanayi DevrimiFloransalı resim ve sosyal çevresi, Friedrich Antal (1948); ve Edebiyat ve Sanat Sosyal Tarih tarafından, Arnold Hauser (1951) öncüllerdendir. Sanat sosyolojisi, başlangıcında Marksizmle yakından bağlantılıydı (Hauser ve Antal’ın kendileri veya Sanat tarihi ve sınıf mücadelesi yazarı Nikos Hadjinikolaou (1973) gibi) daha sonra bu özerklik kazanma eğiliminden uzaklaştı. Bu disiplinin diğer önde gelen yazarları Pierre Francastel, Herbert Read ,Francis Haskell, Michael Baxandall , Peter Burke , Giulio Carlo Argan gibi isimler sıralanabilir. 2

TANIM

Calais Burghers tarafından, Auguste Rodin .

Sanat sosyolojisi nispeten yeni bir disiplindir ve esas olarak İkinci Dünya Savaşı’ndan beri geliştirilmiştir. Bu nedenle, konuyla ilgilenen çeşitli bilim adamları tarafından farklı teorik ve metodolojik yaklaşımlardan yaklaşıldığı için hala tam olarak kurulmuş temellere sahip değildir. Dahası, sanat sosyolojisi, estetik veya sanat tarihinin kendisi gibi sanatı inceleyen diğer disiplinlerle yakından ilgilidir. Bu son bilim, sosyal bileşeni her zaman az ya da çok ölçüde sanatsal yaratımın çözülmez bir parçası olarak kabul etmiştir. Toplumsal sanat tarihi, sanatsal olayın hem doğuşunu hem de evrimini bu bakış açısıyla analiz ederek, sanatsal çalışmayı başlatan maddi koşullara özel bir vurgu yaptı. Aynı şekilde estetik, çeşitli yazarlar tarafından sosyolojik açıdan incelenmiştir, çünkü inceleme konusu – güzellik kavramı , estetik yargıları veya sanatın işlevi ve onları etkileyen sosyal bileşenden de analiz edilebilir. Dolayısıyla sosyolojik estetik, hassas bilgiyi her an kendine ait olan tarihsel ve sosyal koşullara göre inceleyen bir estetiktir .3

Sosyal sanat çalışması, temelde genel sosyolojinin, insan gerçeklerinin sosyal boyutunu ve bunlara müdahale eden politika, ekonomi, kültür  gibi çok sayıda faktörü inceleyen bir bilim olarak yaptığı katkılardan kaynaklanmaktadır. Dolayısıyla, bu metodolojik temeli alarak, onu sanat çalışmalarına uygulayan sanat sosyolojisidir. Bu disiplinin temel ilgi alanı, sanatsal olguyu, onu üreten etkenler temelinde açıklamak, işi ve sanatçıyı toplum içinde bağlamsallaştırmak ve her ikisi arasındaki içsel ilişkileri vurgulamaktır. Bu ilişkinin karşılıklı olduğu ve sanat sosyolojisinin hem toplumun sanat üzerindeki etkisini hem de sanatın sosyal gelişime katkıda bulunabileceği etkisini araştırdığı unutulmamalıdır.

Sanat ve toplum arasındaki ilişki, zaman içinde değişen akışkan, dinamik bir iletişimdir. Bu nedenle, sanat sosyolojisi, tarihsel analizin göreceleştirilmesine özel bir özen göstermelidir, çünkü aynı sosyal durum, yere ve tarihsel ana bağlı olarak farklı bir yoruma sahip olabilir. Genel olarak, sanatta sosyal faktörün görülme sıklığı yapısaldır, çünkü bu, yalıtılmış faktörler değil, sanatsal yaratımda organize bir şekilde müdahale eden bir dizi ilişkilerdir. Bu nedenle sanat sosyolojisi, herhangi bir sanatsal çalışmayı çevreleyen özel bağlama uyum sağlamalıdır, bu nedenle genel yasaları ayrıntılandıramaz veya bir sanatsal olgudan diğerine sonuçlar çıkaramaz. Ayrıca, sanatta daha öznel bir yapıya sahip ve yorumlanması zor birçok faktörün ortaya çıkması nedeniyle, bunun kesin bir bilim olmadığı ve ayrıntılı açıklamalar veya kesin çözümler sunma niyetinde olmadığı da belirtilmelidir. Hauser’in dediği gibi: “tüm sanat sosyal olarak şartlandırılmıştır, ancak sanattaki her şey sosyal olarak tanımlanamaz.”4

ARKA PLAN

Angelus , Jean-François Millet .

Tarih boyunca çeşitli yazarlar sanatın toplumsal işlevini gündeme getirmiş olsalar da (örneğin Platon onu Cumhuriyet’te sorgulamıştır) sanat-toplum ilişkisi analiz edilmeye esas olarak 19. yüzyıldan itibaren başlar ve üretilen toplumsal değişimlerdir. Fransız Devrimi ve Sanayi Devrimi, hem siyasi ve ekonomik olarak, onlar insan ve toplumun ilişkisini yeniden düşünmeye filozofları açtı. Böylece sanatçıyı toplumun ayrılmaz bir parçası olarak gören pozitivizmin metodolojik ilkelerine dayanan bir bilim olan sanat sosyolojisi ortaya çıktı, sanatsal çalışma sanatçıyı çevreleyen sosyal koşulların sadık bir yansımasıydı. 5

Sanat sosyolojisi, oluşumunda, 19. yüzyılın başında Avrupa’da baskın kültürel hareket olan romantizme karşıydı, ancak ondan zamanın bir yansıması olarak (“zamanın ruhu” dedikleri şey) sanat kavramını aldılar ve pozitivistler buna “tarihsel bağlam” adını verdiler. 6 Aynı şekilde, o dönemde hâkim olan faydacılığı ve endüstriyel çağın çirkinliğini ve materyalizmini reddeden bir hareket olan estetikçilikle karşı karşıya kaldılar. Bu eğilim, sanata ve güzelliğe, Théophile Gautier’in “sanat için sanat” (L’art pour l’art) formülünde sentezlenen kendi özerkliğini vererek hatta “estetik din” den söz etti. 7 Bu pozisyon, sanatçıyı toplumdan izole etmeyi, özerk bir şekilde kendi ilhamını aramayı ve kendisini yalnızca bireysel bir güzellik arayışıyla uzaklaştırmayı, herhangi bir ahlaki bileşenden uzaklaşarak, yaşamaya gelen sanatçının nihai hedefi haline gelmeyi amaçladı. bir sanat eseri olarak kendi hayatı (züppe figüründen görülebileceği gibi). 8 Hareketin kuramcılarından biri, sözde İngiliz çöküşünü etkileyen ve güzelliği ideal olarak takip ederek sanatçının hayatı yoğun bir şekilde yaşaması gerektiğini eserlerinde ortaya koyan Walter Pater’dı . Daha sonra James McNeill Whistler , Oscar Wilde gibi yazarlar ,Algernon Charles Swinburne ve Stéphane Mallarmé, bu eğilimi yalnızca sanatçının hassasiyetine dayalı olarak yüksek derecede incelikle geliştirdiler.

Sanatı sosyolojik bir bakış açısıyla inceleyen ilk teorisyen Hippolyte-Adolphe Taine olarak Sanat Felsefesi’nde (1865-1869), sanata ırk, bağlam ve zamana (ırkçevrean). Taine’e göre sanat, diğer bilimsel disiplinler gibi rasyonel ve ampirik parametreler temelinde işlemektedir ve sanat ” bitkilere değil, insan yapıtlarına uygulanan bir tür botanikten başka bir şey değildir.” Sanat yapıtlarını, “özellikleri belirlenip kanalları aranacak ürünler” olarak görüyor, her türlü sanatsal biçimi “insan ruhunun tezahürleri” olarak kabul ediyordu. Jakob burckhardt, İtalya’da Rönesans Kültürü’nde (1860), tarihselcilik perspektifinden özetlenen, sanat dünyasını çevreleyen herhangi bir fenomenden incelenen bir sanat analizi olarak siyaset ve ahlaktan ev hayatına ve kadınların durumuna ilgi çekti. Aynı şekilde, sosyolojik açıdan Sanat’ta (1888) Jean Marie Guyau, sanatın hayatta olduğunu ve böyle geliştiğini onaylayan evrimsel bir sanat vizyonu önererek tıpkı insan yaşamı sosyal olarak organize edilmişse, sanat da toplumun bir yansıması olmalıdır. 9

19. yüzyılda sanat sosyolojisi, resimsel gerçekçilik ve edebi natüralizm ile ve solcu politik hareketlerle, özellikle ütopik sosyalizmle büyük bir bağlantıya sahipti: Henri de Saint-Simon, Charles Fourier ve Pierre Joseph Proudhon gibi yazarlar , güzelliği ve faydayı uyumlu bir bütün içinde birleştiren, toplumun gelişimine katkıda bulunan sanatın sosyal işlevi. 10 Öte yandan, Birleşik Krallık’ta John Ruskin ve William Morris gibi teorisyenlerin çalışmaları işlevselci bir sanat vizyonuna katkıda bulundu. Venedik Taşları (1851-1856) Ruskin, sanayi toplumunun yürüttüğü sanatın popülerleştirilmesini ve aynı zamanda işçi sınıfının yozlaşmasını ve sanatın toplumsal işlevini savunmasını kınadı. Aynı şekilde, El arte del pueblo’da (1879) ekonomide ve toplumda radikal değişiklikler çağrısında bulundu ve “insanlar tarafından ve halk için yapılmış” bir sanat çağrısında bulundu. Arts & Crafts hareketinin kurucusu Morris ise, sadece manevi ihtiyaçları değil, maddi ihtiyaçları da karşılayan işlevsel, pratik bir sanatı savundu. In Los ceza del arte yakın ortaçağ korporatizmin için sosyalizm yakın bir kavramına, (1887) o faydacı sanat kavramını öne ama çok aşırı teknik üretim sistemlerinden kaldırılmıştır. 11

Öte yandan, sanatın işlevi Rus yazar Lev Tolstoy tarafından sorgulanarak Sanat nedir? (1898), sanatın bir iletişim biçimi olduğunu savunarak, sanatın toplumsal gerekçesini ortaya attı, ancak ilettiği duygular tüm insanlar tarafından paylaşılabilirse geçerli olabilir. Tolstoy’a göre tek geçerli gerekçe, sanatın insan kardeşliğine katkısıdır: Bir sanat eseri, ancak kardeşlik değerlerini, yani halkların birleşmesini destekleyen duyguları aktarırsa toplumsal bir değere sahip olabilir. 12

YİRMİNCİ YÜZYILDA SANAT SOSYOLOJİSİ 

Kaynak , Marcel Duchamp . 20. yüzyıl, sanatçı-izleyici diyalogu üzerinde daha büyük bir etki yaratmak için klasik güzellik kavramının yitirildiğini varsayar.

Çağdaş sanat fikirleri aşmak: çelişkili birçok durumda XIX-XX yüzyılın başında patlak kültürel fikir ve felsefesini yansıtan, tarzı büyük parçalanması tanıttı rasyonalistlere ait Aydınlanma ve daha sübjektif kavramlara geçişi Kierkegaard ve Nietzsche gibi yazarların çalışmalarında kristalleşen ve romantik hareketten başlayarak, gelenekten kopuşu ve klasik güzelliğin reddini temsil ederler. Gerçeklik kavramı yeni bilimsel teorilerle meydan: zamanın öznelliği (Bergson), görelilik ait Einstein ,kuantum mekaniği , teorisi psikanaliz arasında Freud idi. Öte yandan, fotoğraf ve sinema zaten gerçeği yakalamakla görevli olduğundan, yeni teknolojiler sanatın işlevini değiştirmesine neden oluyordu. Avangart akımlar, sanatı topluma entegre etmeye çalıştılar, daha büyük bir sanatçı-izleyici ilişkisi aradılar çünkü işi yorumlayan, sanatçının bilmediği anlamları bile keşfedebildi. Bu nedir Umberto Eco “denilen açık çalışma”: Sanatçının anlayışını daha özgür bir şekilde ifade eden, ancak aynı zamanda izleyiciyle sınırsız sayıda yoruma sahip diyalog kuran bir çalışma oldu. Bazen sanat daha olduğu gibi, değil Marcel Duchamp çalışamalarında olduğu gibi kendi üretim sürecinde değil izleyiciyi veren vizyon üzerinde durdu. 13

Çağdaş sanat, toplumla, mekanizma ve zamanın ve güzelliğin değersizleştirilmesi gibi sosyal kavramların evrimiyle yakından bağlantılıdır. Anlık oluşuyla öne çıkan bir sanattır, çok az algılama süresine ihtiyaç duyar, sürekli tat dalgalanmaları ile eşzamanlı olarak değişir: tıpkı klasik sanatın değişmez fikirlerin metafiziğine dayandığı gibi , Kantçı köklerden gelen mevcut sanat da bilinçten zevk alır. sosyal zevk (kitle kültürü). Daha materyalist, daha tüketimci bir toplumda sanat zekaya değil duyulara hitap eder. Moda kavramı, iletişimin hızı ile günümüz medeniyetinin tüketici yönü arasında bir kombinasyon olan özel bir önem kazanıyor. En son sanatsal eğilimler, sanatsal nesneye olan ilgisini bile yitiriyor: geleneksel sanat bir nesne sanatıydı, kavramın güncel biriydi. Aktif sanatın, eylemin, ticari olmayan sanatın kendiliğinden, geçici tezahürünün (kavramsal sanat, meydana gelmeçevre) yeniden değerlendirilmesi vardı. 14

MARKİSİZM

Bolşevik , Boris Mihayloviç Kustodiev , Tretyakov Galerisi , Moskova .

Diyalektik materyalizmin tarafından 19. yüzyılda formüle Marx ve Engels özellikle Rusya’da, 20. yüzyılda sanat kuramı alanında türevlerini vardı. Sanatın, insanın sosyal ve ekonomik koşulları tarafından belirlenen bir kültürel “üstyapı” olduğu Marx’ın çalışmalarından açıkça görülüyordu. Marx, sanatsal olguyu sosyal dinamikleri bütünleştiren faktörlerden biri olarak gördü ve sanatın sosyal gruplara yabancılaşmasına dikkat çekti. Marx için sanat, ideolojinin bir bileşen olarak her ideoloji, yerleşik sosyal düzeni haklı çıkarmaya çalışan bir dünya vizyonuna karşılık getirdi. Dolayısıyla, sanatsal ideoloji, ekonomik üretim ilişkilerinden kaynaklanan toplumsal gerçekliği meşrulaştırma eğiliminde olan bir temsil tarzına eşdeğerdir. Marksistler için sanat, toplumsal gerçekliğin bir yansımasıdır, ancak Marx, belirli bir toplum ile ürettiği sanat arasında doğrudan bir karşılık görmemiştir. Georgi Plekhanov, Art and Social Life (1912) adlı eserinde, “sanat uğruna sanatı” ve onu çevreleyen toplum dışındaki sanatçının bireyselliğini reddeden materyalist bir teori formüle etti. Sovyet Devrimi’nden sonra, sosyalist gerçekçilikle çerçevelenmiş sanat, esas olarak Maksim Gorki ve Andrei Zhdanov tarafından tanımlanan parametrelerde standartlaştırıldı ve sanatçı, Marksist devrimci süreci besleyen toplumsal güçler için bir katalizör olmalı. 15

İçin György Lukács, avangart sanat “burjuva irrasyonalizme” bir yansımasıdır. Wilhelm Dilthey’den ve “doğa bilimleri” ile “manevi bilimler” arasındaki ayrımından etkilenerek , bu farkı bir sanat ontolojisi oluşturmak için uyguladı ve eğer bilim “gerçeklerle ve onların bağlantılarıyla” ilgileniyorsa, sanat “bize sunar ruhlar ve kaderler ”. Lukács’a göre, sanat ontolojik olarak gerçeğe, binlerce yıldır insanın arka planında süregelen efsanevi bir gerçeğe bağlıdır. Tarihi ve sınıf bilinci(1925), Marksist diyalektiği sanata uyguladı ve onu zaman içinde tarihsel gelişimin doğasında bulunan derin ve yinelenen bir yapı olarak kavradı. Dolayısıyla sanat, tarihsel olayların en temel ve evrensel yönlerini bir araya getiren taklitçi bir olgudur. Lukács’a göre, “gerçek sanat her zaman insan yaşamının bütünlüğünü temsil eder.” 16

Walter Benjamin’na göre “modernliğin diyalektiğinin doruk noktası” olan, çevreleyen dünyanın bir ifadesi olarak bütünleştirici sanat girişiminin sonu olan avangart sanatı analiz etti. Sanatın modern toplumdaki rolünü aydınlatmaya çalıştı. Burada sanatın insanın görünüşte tatmin edici bir sonuç olmadan deşifre etmeye çalıştığı işaretlerle açıklandığı semiyotik bir analiz gerçekleştirdi. Ona göre modernite, insanı kafa karışıklığına sürükleyen ve onu sırayla gerçeği aramaya sevk eden semiyotik bir kırılmayı ima eder. Görünüşe göre sanat, insan ve dünya arasında uzlaştırıcı bir işleve sahip olsa da, onun çok yapay doğası bizi gerçekliğin yanlış öncüllerine götürür. İçinde Teknik yeniden üretilebilirlik çağındaki (1936) sanat eseri, sanatın endüstriyel yeniden üretimine ilişkin yeni tekniklerin, benzersiz bir nesne olarak karakterini ve dolayısıyla saygı halesini kaybederek sanat kavramını nasıl değiştirebileceğini analiz etti. efsanevi; Bu, (Benjamin için hala keşfedilmemiş) sanatı kavramanın yeni yollarını açarak sanat eseriyle daha özgür ve daha açık bir ilişki gerektirmiştir. 17

Theodor W. Adorno, Frankfurt Okulu’na mensup Benjamin gibi, modern toplumun aşırı teknikleşmesine bir tepki olarak avangart sanatı savundu. Lukács’ın yapısal kavramının aksine, Adorno, kendisi için sanatın ideolojik içeriğinin çarpık bir aynada olduğu gibi çarpıtılmış bir şekilde kendini gösterdiği sanat biçimini vurguladı. Onun içinde estetik teorisi(1970) sanatın toplumun kültürel eğilimlerinin bir yansıması olduğunu, ancak onun gerçek bir yansıması haline gelmediğini, çünkü sanatın var olmayanı, gerçek olmayanı temsil ettiğini; veya, her durumda, var olanı temsil eder, ancak başka bir şey olma, aşma olasılığı olarak. Sanat, bu olumsuzlama yoluyla onu aşan, içinde olmayanı ilkel bir şekilde gösteren “şeyin olumsuzlanmasıdır”. Var olmayanı varmış gibi sunan, imkansızın mümkün olduğunu vaat eden bir görünüm, bir yalandı. 18

YENİ BİR DİSİPLİN OLARAK 

Guggenheim Museum Bilbao . 20. yüzyıl, yeni müzelerin çoğalmasıyla ortaya çıkan, sanat ve toplum arasında daha büyük bir ilişki ortaya çıkardı.

Sanat araştırmalarına sistematik bir şekilde uygulanan metodolojik bir disiplin olarak sanat sosyolojisi, İkinci Dünya Savaşı’ndan sonra  her ikisi de Viyana Okulu’nun formalizminden olan Friedrich Antal ve Arnold Hauser’in çalışmaları nedeniyle doğdu. 19 Antal, Floransa resmine ve sosyal çevresine oturdu (1948), sanat ve toplumu nedensel ilkelerle yönetilen birleşik bir yapı olarak ilişkilendiren bu yeni sanat çalışma yönteminin temellerini. Bu yazar için sanatın, toplumsal, politik, ekonomik, kültürel vb. Kendi oluşumuna müdahale eden tüm faktörlerden incelenmesi gerekir. Öyle bile olsa, sanat yapıtının biçimsel analizini ya da duyarlılığın sanatsal gerçeğin incelenmesine sağlayabileceği katkıyı inkar etmezdi. 20

Arnold Hauser’in çalışması daha başarılı ve yayılmıştı ve bu disiplinin daha büyük bir sistematizasyonuna ve sınıflandırılmasına yol açtı, bu yüzden çoğu kişi onu modern sanat sosyolojisinin babası olarak görüyor. Müridi Heinrich Wölfflin ve Max Dvořák, Marksizm yaptığı eki diye sayısız eleştiriler aldığı için tüm eserinde, belirgin olacaktır. Bununla birlikte, Hauser’in çalışması, ideolojisi bir kez gözden kaçtıktan sonra, sosyolojik sanat incelemesi için vazgeçilmez bir kaynaktır.  Hauser, böylece tarihsel materyalizmin sanat tarihini anlatmaya çalıştı temellerini atmak olacaktır sanatın toplumsal analizde bu ilk denemesi sanat sosyolojisi. İçinde Sanat kuramları (Sanat Tarihi Felsefesi , 1958), sanatın sosyolojik incelemesinin temellerini daha ayrıntılı bir şekilde attı, amaçlarını sınırlandırarak ve sanatı kültürel katmanlara göre analiz ederek ve aynı zamanda şematizmini yumuşatan veya göreceli hale getiren düşünceler sağladı. Bu ilk teorik kitabın ardından, 1965’te Maniyerizm, Rönesans krizi ve modern sanatın kökenlerini yayınladı ve burada, analizi büyük ölçüde daraltmasına rağmen, ilk yapıtının yorumlama yöntemine geri döndüğünde, birçok uygulama ile sonuçlandı. yöntemi hakkında daha tartışmalı ve nüanslı. Son olarak, sanat sosyolojisinde (1974), bu bilimi etkileyen farklı teorik bileşenleri titizlikle analiz ederek bu disipline en eksiksiz katkıyı yaptı. 21

Daha sonra Pierre Francastel, sanat sosyolojisinin yönlendirildiği determinizmi terk etme girişimiydi, her şeyden önce sanat ve toplumun kültürel bileşenine dayanan daha geniş analiz temelleri oluşturmaya çalışıyordu. Sanat eserini sosyal bağlam yerine başlangıç ​​noktası olarak seçerek sanatsal dilin kendine özgü karakterini savunuyor. Yapısalcılık ve göstergebilimden gelen sanat kaynakları sosyolojisine katkıda bulunan çok disiplinli analizidir. Resim ve toplum (1951), resmin tarihini düşüncenin evriminden analiz etti, ancak sosyal bileşeni çok derinlemesine araştırmıyordu, bu yüzden Francastel, sosyolojik yöntemi ondan sonuç çıkarmadan uygulayan bir formalist olarak eleştirildi. 22

Aynı şekilde Lucien Goldmann, sanat sosyolojisini antropoloji, dilbilim veya psikoloji gibi diğer disiplinlere açarak, dilin her toplumsal yapıda bulunan belirli bir “dünya görüşünün” bir yansıması olduğu bir “genetik yapısalcılık” önermektedir. Aynı şekilde Pierre Bourdieu , sanatın sosyokültürel kökenini vurguladı, onu insan davranışına bağladı, en ilkelden en ilerisine kadar farklı toplumlarda mevcut olan davranış kalıplarını analiz etti. 23

Sanat sosyolojisi aşamalı olarak metodolojik ufkunu genişletiyordu ve 1970’lerde sanatı çeşitli faktörlerden analiz eden çeşitli eğilimler ortaya çıkarak Jean Gimpel, Sanat ve sanatçılara karşı (1968), Giotto’dan beri üretilen sanatın tarihsel bir incelemesini yaptı. Patronaj ve koleksiyonerlik gibi faktörlere özel vurgu yaparak, sanatçının toplumsal durumuna ve sanat eserinin onu üreten ekonomik bağlama yerleştirilmesine bakış açısı yakaladı. Benzer şekilde, Raymonde Moulin analiz Fransa’da sanatsal üretim için piyasada (1967) sanat piyasası gibi belirli bir alandaki olay faktörleri, konuyu etkileyecek çok sayıda eserin temellerini atmıştır. Benzer şekilde, Michael Baxandall sanat sosyolojisini estetik, dilbilim ve göstergebilim ile sentezledi ve “resimlerin tarihsel açıklaması” olarak adlandırdığı bir yöntem yaratarak Sanat eserinin bir “sözelleştirme” olarak yorumlanması gerektiğini söylemiştir. Her tarihsel anda üretilen düşünce yapılarının doğasında bulunan çeşitli stereotiplerden gelen görüntü. Svetlana Alpers , kültürel dillerin temsiline ve gnoseolojik yapılarına dayanan bir teori geliştirdi., kültürel tezahürün çeşitli alanlarını ilişkilendirir: sanat, bilim, din, teknik, şiir ve kültürün diğer sosyal ve göstergebilimsel yönleridir. 24

Peter Burke, sanat tarihçisi olmamasına rağmen, antropolojik ve kültürel analizi bir araya getiren sosyal tarih çalışmalarına sanatı dahil ederek İtalyan Rönesansı’nda (1972) sanatçının sosyal konumunu, himayesini ve işlevini analiz etti. Sanatın. Öte yandan Rudolf Wittkower, Satürn’ün (1963) burcunda Born’da sanatçının sosyal durumunun yanı sıra karakterinin ve sosyal davranışının evrimi üzerine en iyi incelemelerden birini ele geçirdi. Benzer şekilde, Francis Haskell’in Desenler ve Ressamlar (1963), sanatsal himayeye zorunlu bir referanstır. 25

Sanat sosyolojisinin en yeni çalışma alanlarından biri, sanat kavramının mevcut açıklığı ve çağdaş sanatta mevcut olan stillerin ve malzemelerin atomizasyonu ile bağlantılı olan kitle kültürüdür. yeni teknolojiler: fotoğraf, sinema, video, posterler, çizgi romanlar, tasarım, reklam, grafiti, moda, sanatsal destek olarak vücut (vücut sanatı) veya doğa (kara sanatı) kullanımı veya performans ve olay çağdaş sanat için yeni bir olasılıklar dizisini ve sanat sosyolojisi için yeni bir çalışma nesnesini temsil ediyorlar. La era neobarroca (1987), Ömer Calabrese işlevlerine ve kaliteli olursa olsun bu yeni tipolojilerin ifade ve iletişim ortak tat mevcut dayalı bir “toplumsal estetik” hep birlikte bu belirtileri getirmeye çalışır. 26

İNCELEMELER 

Sanat sosyolojisi, sanat tarihinden veya sosyolojinin kendisinden felsefeye veya antropolojiye kadar çeşitli sektörlerden çeşitli eleştiriler almıştır. Özellikle eleştiriler, Marksist okulu özellikle etkiledi: Hauser, sanat eserini analiz etmeyi bırakmadan, insanoğlunun bütüncül bir analizi bağlamında sanat çalışmasını bütünleştiren evrensel bir teori olarak kendi içinde  yapısı, anlamı veya sanatsal alaka düzeyi formüle etme girişimi nedeniyle eleştirildi.  Sosyal Edebiyat ve Sanat Tarihi adlı eseri Ernst Gombrich tarafından sert bir şekilde eleştirildi. Teorik ve metodolojik yaklaşımının eksikliklerine olduğu kadar, formülasyonlarının birçoğunun yüzeyselliğine ve tarihsel titizlikten yoksun olduğuna işaret etti. Hauser, yalnızca sanatta sosyo-ekonomik koşulların bir ürününü bulan bir determinizmin katılığı nedeniyle eleştirilir. Benzer şekilde, Nikos Hadjinikolaou, sanatçıların yaratıcı yeteneklerini inkar ettiği için, doğaçlama veya yeniliğe ya da sanatsal etkinliğin geleceğinde kendiliğinden ve doğaçlama herhangi bir durum olmaksızın bir mekanikçi olarak adlandırıldı. Antal, bu kadar dogmatik olmamakla birlikte, aynı derecede eleştirildi, ancak çalışması genellikle sanat tarihine değerli bir katkı olarak görülüyordu. 27

Francastel’in yapısalcılığı da eşit derecede eleştirildi: Bu yazara göre, herhangi bir toplum kendini iki farklı yolla (teknik kapasite ve sembolik ihtiyaçlar) ifade etmeli, sanatsal düşünce bir görsel düşünce biçimi ve her tarihsel an görsel düşünceler arasında bir karşıtlıktır. Hal böyle olunca sanatçının figürüne değer vermediği, sanat ve teknik arasındaki ilişkinin sorgulanması, aynı zamanda yaptığı yaklaşımlar hakkında net ve kesin sonuçlara varamaması eleştirilmiştir. Benzer şekilde, soyut ve kesin olmayan üslupları, ifadelerinin muğlaklığı ve özgüllüğünün olmaması, genelleme eğilimleri ve bibliyografik referansların azlığı belirtilmiştir. 28

KAYNAKÇA 

  1. Muzzle (1999), cilt. II, s. 332.
  2. Muzzle (2000), cilt. Ben, s. 147.
  3. Furió (1995), s. 13-15.
  4. Furió (1995), s. 15-24.
  5. Beardsley-Hospers (1990), s. 71.
  6. Givone (2001), s. 101-102.
  7. Eko (2004), s. 329.
  8. Eko (2004), s. 333.
  9. Givone (2001), s. 102-104.
  10. Furió (1995), s. 31.
  11. Givone (2001), s. 112-113.
  12. Beardsley-Hospers (1990), s. 73.
  13. Eko (2004), s. 406.
  14. Eko (2004), s. 417.
  15. Beardsley-Hospers (1990), s. 79-80.
  16. Muzzle (1999), cilt. II, s. 185-188.
  17. Givone (2001), s. 122-124.
  18. Givone (2001), s. 125-127.
  19. Muzzle (1999), cilt. II, s. 333.
  20. Muzzle (1999), cilt. II, s. 333-334.
  21. Furió (1995), s. 49-50.
  22. Furió (1995), s. 50-51.
  23. Muzzle (1999), cilt. II, s. 336-339.
  24. Muzzle (1999), cilt. II, s. 339-342.
  25. Furió (1995), s. 56-57.
  26. Muzzle (1999), cilt. II, s. 343-345.
  27. «Sanat sosyolojisi ve sosyal sanat tarihi» . 30 Kasım 2009 tarihinde orjinalindenarşivlendi . Erişim tarihi: November 29, 2009 .
  28. Furió (1995), s. 51.

KAYNAKLAR

  • Beardsley, Monroe C. ve Hospers, John (1990). Estetik. Tarih ve temeller . Sandalye, Madrid. ISBN 84-376-0085-5 .
  • Bozal, Valeriano (ve diğerleri) (2000). Estetik fikirlerin tarihi ve çağdaş sanat teorileri (cilt I) . Vizör, Madrid. ISBN 84-7774-580-3 .
  • Bozal, Valeriano (ve diğerleri) (1999). Estetik fikirlerin tarihi ve çağdaş sanat teorileri (cilt II) . Vizör, Madrid. ISBN 84-7774-581-1 .
  • Eko Umberto (2004). Güzellik tarihi . Lumen, Barselona. ISBN 84-264-1468-0 .
  • Furió, Vicenç (1995). Sanat sosyolojisi . Barcanova, Barselona. ISBN 84-7533-973-5 .
  • Givone, Sergio (2001). Estetiğin tarihi . Tecnos, Madrid. ISBN 84-309-1897-3 .